Arthur Hnatek (Deutsch)
Dies ist Teil einer Reihe von Tutorials zu Gastbeiträgen von Noise Engineering-Anwendern, in denen verschiedene Tipps für NE-Module, die modulare Verwendung im Allgemeinen oder die Integration von Modulen in ihren Workflow vorgestellt werden.
Haben Sie jemanden, von dem Sie denken, dass er oder sie toll wäre, einen Gastbeitrag zu schreiben? Haben Sie einen modularen Tipp, den Sie uns senden möchten, um ein Video zu erstellen? Lass uns wissen!
Diese Woche durfte ich mich mit Arthur Hnatek, einem Freund von Noise Eng, unterhalten. Arthur ist einer der talentiertesten Musiker, die ich kenne, und obwohl mein Musikgeschmack ziemlich breit gefächert ist, habe ich kürzlich gemerkt, dass die Musik, an der Arthur beteiligt ist, mich seit langem am meisten begeistert hat (das hilft, ich bin besessen von Percussion. Es ist eine Freude, diesen Chat in den Blog zu bringen, damit andere die unglaublichen Dinge sehen können, die dieser Musiker tut.
KK: Arthur, würden Sie sich bitte vorstellen?
AH: Mein Name ist Arthur Hnatek. Ich bin ein Schweizer Musiker und lebe zurzeit in Zürich. Die meisten Leute würden mich in erster Linie als Schlagzeuger bezeichnen, obwohl ich seit meiner Kindheit viele verschiedene Instrumente gespielt habe und mich für viele Wege in der Musik interessiere.
Seit meinem Jazzstudium an der New School für zeitgenössische Musik in New York City bin ich als Schlagzeuger für Jazzmusiker wie Tigran Hamasyan oder Erik Truffaz 'Quartett (und viele andere großartigen Künstler*innen) um die Welt gereist. [Anmerkung der Redaktion: Falls Sie diese Musiker nicht kennen, hören Sie gleich zu. Genre-Bending, unglaublich. Im Ernst, das ist so ziemlich alles, was ich mir ungefähr 3 Wochen lang angehört habe, als ich Arthur kennengelernt habe.
Gleichzeitig arbeite ich an der Kreation meiner eigenen Musik durch verschiedene Prozesse: Komponieren von Musik für kleine Ensembles, Sinfonieorchester, Jazz-Trios und momentan hauptsächlich Produzieren von elektronischer Musik und dessen Live-Darbietung (seit 2018).
In meinem Soloprojekt SWIMS konzentriere ich mich darauf, Live-, semi-improvisierte, modulare Drum-Performances zu spielen.
Mon projet solo SWIMS est le projet où je me concentre ces jours-ci en effectuant des concerts de batterie en live, semi-improvisés et modulaires.
KK: Sie haben einen beeindruckenden Lebenslauf und spielen mit unglaublich talentierten Musikern. Erzählen Sie uns von Ihrem Training und wie Sie zu diesem Punkt gekommen sind.
AH: Ich würde sagen, mein Training war ziemlich formal! :)
Ich fing an, Schlagzeugunterricht zu nehmen, als ich 8 Jahre alt war. Meine Eltern besaßen einen Musikladen in Genf und ich war ständig von Musik und Musiker*innen umgeben. Schnell nahm ich auch Klavierunterricht und spielte ebenfalls klassische Musik. Als mein Interesse an der Komposition wuchs, beschloss ich, diese hauptsächlich während meiner Zeit in New York zu studieren (Dirigierunterricht, Orchestrierungs-, Harmonie- und Kompositionsunterricht bei großartigen Lehrern).
Als Schlagzeuger beschäftigte ich mich seit meiner Kindheit mit Jazz-Drumming. Obwohl ich immer andere Musikstile zum Spaß und zum Spielen in Schulrockbands usw. gehört habe, war eine der wichtigsten Veränderungen, als ich Aphex Twin entdeckte. Die Welt der elektronischen Musik hat sich für mich geöffnet und seitdem muss ich sagen, höre ich mir diese am meisten an.
KK: Das überrascht mich nicht, dass Ihre Ausbildung so formal, aber auch vielfältig ist. Ich höre Ihrem Trommeln zu und die Komplexität macht mich wahnsinnig! Aber noch mehr, die Fließfähigkeit, mit der Sie zwischen komplizierten Zeiten wechseln.
Was hat Sie bei all dieser Ausbildung in der Klassik zu modularen Synthesizern geführt?
AH: Dies ist eine sehr neue Welt für mich!
Ich war mir immer bewusst, dass Eurorack im Trend ist aber war ziemlich überfordert, mich darauf einzulassen, und ehrlich gesagt verstand ich die Logik dahinter nicht.
Als Improvisator bin ich sehr empfänglich für jene Momente, in denen ich mit jemandem spiele und mich mit musikalischen Ideen ohne Formen oder Strukturen verbinde. Ich hatte eine Begegnung während eines Konzerts mit einem Freund von mir, der ein brillanter Musiker mit modularen Synthesizern ist. Sein Künstlername ist Olan. Ich war beeindruckt, wie nahtlos er seine Maschinen in mein Spiel integrieren konnte (und als Schlagzeuger bist du es gewohnt, die Ground / Beat- und Tempo-Ebene in der Musik zu sein). Diese Nacht hat so viel Spaß gemacht und er hat Sounds kreiert, die so inspirierend waren, dass ich nach der Show dachte: Du musst mir zeigen, was da passiert ist!
Der Bassist in Erik [Truffaz] 's Band Marcello Giuliani ermutigte mich auch, mich damit zu befassen. Er zeigte mir seinen kürzlichsten Erwerb: die Noise Engineering Manis Iteritas. [Anmerkung der Redaktion: Durch Marcello haben wir auch Arthur kennengelernt. Vielen Dank, Marcello! Wir lieben das Erik Truffaz Quartett!]
Ich habe ein kleines Setup in Gang gesetzt und wollte dies sehr schnell in meine Performance integrieren.
KK: Das war für uns so aufregend, als Marcello uns davon erzählte. Wir haben von Leuten gehört, die viele verschiedene Instrumente in ihr modulares, aber niemals in ihr Schlagzeugset integrieren möchten. Das war also wirklich eine Neuheit. Erzählen Sie uns, wie Sie modular mit Ihren Trommeln arbeiten.
AH: Die Idee, sowohl das Drumming als auch die Module zu verbinden, ist eine Weile her und ich experimentiere die ganze Zeit damit. Aber ich habe damit begonnen, Musik ohne direkte Kommunikation zwischen ihnen zu schaffen.
In Zusammenarbeit mit dem deutschen Beckenhersteller Meinl haben wir eine Reihe von Videos erstellt, die verschiedene Becken-Setups zeigen. Die Idee war, dreimal denselben Track zu spielen und zu zeigen, wie das Cymbal-Setup, den Gesamtstil und das Gefühl des Songs beeinflussen kann.
Ich hatte die Idee, dass ich, anstatt einen Titel wiederzugeben (der letztendlich jedes Mal genau gleich klingt), einen Song komponieren und ihn vom Eurorack-System mit Zufalls- und Willkürlichkeitsfaktoren wiedergeben lassen könnte, was ihn jedes Mal etwas anders macht.
Wir haben das Ganze in Berlin gefilmt und ich bin zum Schneidersladen gegangen und habe ein System gemietet (was verrückt war, weil mir die meisten dieser Module unbekannt waren).
Wir haben eine "Beat-Version" gemacht
eine jazzige version
und eine funktionale "Techno" -Version
Alle zeigen unterschiedliche Schlagzeug-Varianten bei derselben einfachen Melodie und „AB-Komposition“.
KK: Ich liebe alle drei so sehr und war so aufgeregt, als ich sie sah. Das war also Ihr erster Schritt. Aber ich weiß, dass Sie schließlich damit begonnen haben, Ihr Schlagzeugspiel tatsächlich in das System einzubeziehen. Wie funktioniert das und womit arbeiten Sie?
AH: Ich benutze Sunhouse Sensory Percussion Sensors (2 davon in diesem Fall). Sunhouse ist ein fantastisches Unternehmen, das Sensoren entwickelt hat, die das Schlagzeug „lesen“ und es in unterhaltsame Dinge umwandeln können, wie z. B. die Verwendung einer eigenen Sampler-Softwareplattform, aber auch MIDI, das mit anderer Hardware verbunden werden kann. In dem Fall, verwende ich ich die Endorphines Shuttle Control, um mit meinem System zu kommunizieren.
Im Video hier wollte ich einige einfache Richtlinien für eine Improvisation festlegen:
„Verwende nur 1 Modul als Audioquelle: das BIA.
Gebe CV in jeden einzelnen CV-Eingang dieses Moduls ein (9!)
Du darfst nicht mit den Händen Knöpfe drehen: Der gesamte CV sollte direkt vom Schlagzeug selbst (oder einem Nebenprodukt davon) kommen. “
Die Kick-Drum löst den Trigger von BIA aus, generiert aber auch eine Hüllkurve, die den Decay und den FM auf meinem Intellijel Polaris steuert.
Ich benutze einen Mimetic Digitalis, um einen CV zu sequenzieren (wie S / L / M oder Attack). Der Rand der Kick-Drum (wenn ich ihn mit dem Stick schlage) löst den Origin-Eingang aus, so dass ich ihn versetzen und neu starten kann. Ein weiteres wichtiges Element ist der Tom-Rand (mit dem Gong darauf), der eine weitere Envelope auslöst, die über den Bias-Eingang eines 2hp-Tunes eine Tonhöhenerhöhung erzeugt. Ich bin in der Lage, Tonhöhenvariationen zu generieren, die immer noch „im Einklang“ sind.
Alles ganz einfach und unkompliziert!:)
Die ultimative Idee ist, das System meinem Schlagzeug folgen zu lassen und ständig neue Variationen zu erzeugen. Das bedeutet, die Sekunde, in der ich aufhöre zu spielen, kommt kein Ton aus dem Modul raus.
KK: Ich kann gar nicht genug sagen, wie viel Spaß mir das macht. Wie geht es bei der modularen Verwendung von Synthies für Sie weiter?
AH: Ich möchte diese Idee der Schnittstelle zwischen dem Drumming und dem Modular noch weiter in ein umfassenderes Kompositions-Konzept integrieren.
Es macht Spaß, coole Sounds zu finden und damit zu experimentieren wenn ich für mich alleine spiele.
Es ist aber eine ganz andere Sache, ein stündiges Set mit anspruchsvollen Ideen und überzeugenden Songs durchzuhalten.
Ich würde auch gerne mit anderen modularen Musiker*innen zusammenarbeiten und möglicherweise sogar Umgebungen schaffen, in denen mein Schlagzeug Daten und CV-Informationen ausgibt, die in Echtzeit von jemand anderem in seinem/ihrem System verwendet werden könnten.
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